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雖然主修舞台設計，不過也做技術指導，也接舞台燈光crew，也做舞監。
喜歡料理、看漫畫，喜歡攝影，自製暗房
哲學和理論是設計的根，但這棵樹長成什麼樣子就看設計群如何發酵
文本解讀：
1.
”nothing hurts”，一種麻木且無所謂，行動皆指向死亡的狀態，劇中潛藏的毒品、暴力問題、性愛以及電子樂皆是當代另類逃避現實的依附。
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需要透過碰撞才能讓兩個靈魂靠近，渴望是灼熱的，但身體同環境卻不斷降溫
「體內在下雪，冰凍傷口、降溫、凍結對另一個身體的渴望」
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我認為在劇中角色本身是誰似乎並不重要，重點是在他們的動機以及渴求的”關係”。空間在哪裡也並不重要，透過物件以及聲響，加上演員的扮演，使空間成立，快速且流動的空間切換，就如同影像分鏡剪輯一樣地迅速。
不斷重複閱讀之後，直覺感受都不斷圍繞著電影感（鏡頭語言）以及魔幻感。在李希特的其他作品當中，不斷提及到環境是巨大的電子機械，而人即是裝置。而此劇的角色們不斷圍繞著的一個問題：「___渴望從裝置中逃脫，透過那些撞擊，找到___」是我覺得角色不斷在問答之間探究的。
2.
影像作為一種紀錄以及創作的語言，在此劇中，影像變成了現實與幻覺之間的橋樑、BUG、濃霧。思兒法娜做為一位生命藝術家，她的生命經歷、日常、行動，都可以透過影像來作為一種創作，也因此她的作品的真實性就變得不確定。假設我們無法確認劇本中chapter 2 〈CRUSH〉所提及的那部作品是真實發生的，以及她做為一位生命藝術家的設定，那或許可以提出疑問，"文本"所說的一切都只是搬演，以及鏡頭語彙的詮釋？
如此一來影像的存在，便在劇中模糊了現實世界與影像世界的分割線。
3.
文本中充斥著不斷重複破碎地對話、相同字詞的不斷重複，令我覺得角色們不斷在對牛彈琴，或是曲高和寡的對話中，去追問著一種無法言表的感覺。不過同為觀者的我卻覺得有點荒謬。除此之外便是數篇長篇的獨白，內容充滿恐懼、徬徨、未知，引發角色這些感受的是他們所處在環境，以及對自我的探尋。
在chapter 3 中的那段，用了相當冰冷、無感或是無力但詼諧的方式(演出的空間在chill-out room)，去描述一件殘酷血腥的感受。整體文本在結構上有很強烈的音樂性，每個章節都像是一篇簡短的樂章，而節奏都互不相同—唯一能夠貫穿全劇的只有我們能夠看見或是感受到的，每一次事件的過程(旋律)—卻能在最終章，將遺留在觀者耳根的餘音收束，再爆發。
設計概念
試圖把兩個人物的關係甚至角色都更模糊化一點，感覺兩人都在尋找、探索自己和對方的距離，試圖讓他們每次的對話都呈現一種不明確的關係。空間以及影像的距離也模糊一些，好像有時角色是影像的一部分，有時又是實在地出現在我們面前。
在”近”的那篇感受很深，究竟是甚麼巨大的東西將兩人隔開，或是他們是多麼遙遠以至於嘶吼都無法將想法傳達給對方，而又是甚麼東西把他們困住了？或是被替換掉了？身體被置換了，身體是我還是更內部的什麼才是我
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中性、低現、物件、裝置
曖昧、意識流、聲音引發的聯想
潮濕、模糊、流動的。
陰性、溫柔的
破碎、危險、不穩定
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既像是”演出”的演出，或是一種關於角色自身思辨的作品呈現，思兒到底想跟觀眾說什麼？
我想舞台可以呈現的是一種環境而非空間，是在每個場景間換之間都逃脫不了的一種裝置，一種空洞的凝視，一種現代化之後的身體。環境可以指向矛盾，一個令人放鬆的空間，卻同時存在著許多破碎；一個表象冷靜的空間，內部卻充滿炙熱；虛實界線模糊的空間以及影像。
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